2 April, 2012
by rgonzalezr
ERRATA NATURAE presenta a sus lectores el primer ensayo escrito en profundidad sobre Pere Portabella: cineasta referencial de la modernidad cinematográfica y una figura absolutamente imprescindible para comprender el origen y el desarrollo de las producciones cinematográficas independientes, experimentales y clandestinas en España a partir de los años sesenta.
Pere Portabella, nacido en Barcelona en 1929, es uno de los directores más relevantes de la historia del cine español, recientemente recuperado para el público tras las importantes retrospectivas de su obra organizadas por los museos MoMA, MACBA y el Centre Pompidou de París, y con el reestreno en salas comerciales de buena parte de sus películas. Éstas son un referente central a la hora de analizar la impregnación de las rupturas estéticas e ideológicas de los llamados Nuevos Cines europeos en el ámbito de la cinematografía española. Además, los filmes de este cineasta plantean —de forma casi excepcional en nuestro país— una vinculación estrecha y enriquecedora entre la producción fílmica y las nuevas propuestas formales de la vanguardia artística. Son, además, uno de los cuestionamientos más lúcidos y constantes de los límites convencionales entre el género documental y la ficción que se han llevado a cabo dentro de nuestras fronteras.
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21 March, 2012
by rgonzalezr
Jason, autor noruego afincado en Francia, ha demostrado a lo largo de los años que no hay personaje, género o argumento clásico que se le resista. Ha homenajeado a Hitchcock, ha hecho viajar atrás en el tiempo a un asesino para matar a Hitler, y ha mandado a Marte un mosquetero. Y todo ello con un sentido del humor que se parece tanto al desencanto que se confunde con él.
En Athos en América, Jason retoma el formato de Low Moon para ofrecernos seis historias plagadas de guiños y referencias cinematográficas. Athos en América, la historia que da título al libro, es una especie de precuela de El último mosquetero, en la que el inmortal espadachín, acodado en la barra de un bar en el Nueva York de los años 20, cuenta cómo fue a Hollywood con el fin de interpretarse a sí mismo en una versión cinematográfica de Los tres mosqueteros. Completan el volumen El caballo que ríe, que retoma personajes de la historia & de Low Moon, El cerebro que no quería Virginia Woolf, un remix de El cerebro que no quería morir y ¿Quién teme a Virginia Woolf?, Un gato venido del cielo, en el que Jason se retrata a sí mismo trabajando en su cómic, Tom Waits en la Luna y Adiós, Mary Ann.
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20 March, 2012
by rgonzalezr
¿Qué visión de la historia hay en el cine? En “El acorazado Potemkin” Eisenstein inventó un motín de leyenda, mezclando hechos reales y episodios inventados. En “Espartaco“, Stanley Kubrick hace hablar a los patricios con acento de Oxford y a los esclavos con acento norteamericano. Salvo raras excepciones, las películas sobre la Revolución francesa muestran casi siempre el punto de vista contrarrevolucionario. En los westerns, los indios pasaron en pocas décadas del papel de agresores al de víctimas. Los obreros nunca hacen huelgas en las películas francesas anteriores a 1968… Y, sin embargo, qué papel tan importante desempeña el cine en nuestra comprensión de la historia… Reflejo de la sociedad, el cine también es un soporte ideológico, propagandístico. En este libro, ilustrado con 150 fotografías y en el que se citan más de 300 películas, Marc Ferro nos invita a reflexionar sobre la representación del pasado, del presente y del futuro en el ámbito cinematográfico.
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16 March, 2012
by rgonzalezr
JOHN FORD. EL HOMBRE Y SU CINE. El lector de esta obra tiene entre sus manos no sólo un texto indispensable sobre la obra de uno de los realizadores esenciales del siglo XX. Publicado originalmente en 1986, la presente edición ha sido actualizada y revisada completamente por el autor, Tag Gallagher, con vistas a su traducción al castellano. Éste analiza con claridad, minuciosidad y sensibilidad la obra y la vida de un cineasta que durante más de 5 décadas realizó una serie de piezas maestras tan diversas entre sí como íntimamente emparentadas por su asombroso sentido plástico, su virtuosismo narrativo, la naturalidad y fuerza emocional que extraía de sus intérpretes y, a medida que pasaron los años, la visión profundamente crítica del presente de su país, los Estados Unidos de América.
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6 March, 2012
by rgonzalezr
Pese a estar catalogada como una película de ciencia-ficción, “Blade Runner” –obra maestra que se ha convertido merecidamente en un icono cultural de nuestro tiempo– tiene poco que ver con las utopías futuristas propias del género; al contrario, plantea problemas eternos –la vida y la muerte, el fatídico discurrir del tiempo, la rebelión contra nuestro infausto destino, la extrañeza ante el otro…– protagonizados por hombres que habitan en el caos deshumanizado de las grandes metrópolis; es decir, por hombres como nosotros mismos. Sin embargo, cuando fue estrenada en 1982, la crítica especializada la tachó de efectista y pretenciosa. Los mandarines culturales no supieron ver que, bajo el colorista artificio de los efectos especiales y el sofisticado ropaje del diseño, se ocultaba una de las mayores reflexiones sobre la condición humana que se hayan hecho nunca en el cine. En este ensayo se analizan las diferentes versiones de “Blade Runner” y se abordan, con un estilo ágil y gran rigor analítico, las reflexiones antropológicas y morales que propone la película. ¿Qué era lo que Deckard no sabía?
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5 March, 2012
by rgonzalezr
Actor, director, escritor, pintor, cómico, diseñador de videojuegos…, Takeshi Kitano es uno de los cineastas más polifacéticos y controvertidos del panorama cinematográfico, de reconocido prestigio tanto en Japón como en el ámbito internacional. Desde que se estrenase como director con Violent Cop (1989), son muchas las obras de Kitano que han obtenido el apoyo de la crítica, como Hana-Bi (Flores de fuego, 1997; León de Oro en el festival de Venecia y nominada a la mejor película no europea por la European Film Academy), o Dolls (2002), considerada su obra maestra. La mayoría de las películas de Kitano se acercan al mundo de la mafia, de los yakuzas, y de la policía. Aunque la evolución de su producción cinematográfica es incuestionable, ésta goza de unas características particulares que la hacen inimitable: una mezcla del humor y la violencia incomparables, las tomas largas, el diálogo mínimo, el estatismo combinado con las explosiones de furia… Un director, pues, que no deja indiferente y a quien gusta hacer al espectador dueño de sus interpretaciones.
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28 February, 2012
by rgonzalezr
Este libro ofrece al lector el primer estudio completo y profundo sobre este género, desde los seriales del cine mudo a las recientes películas de arma blanca (stalkers), desde Alfred Hitchcock a Quentin Tarantino, desde The Great Train Robbery a L. A. Confidential. Martin Rubin muestra de qué manera este género visceral y cargado de emociones ha utilizado el suspense, la velocidad y las sensaciones fuertes para mantenernos clavados en nuestras butacas durante todo un siglo de cine estadounidense. El thriller es quizá el género cinematográfico más popular, pero también el más difícil de definir. Admite gángsters y fantasmas, cascos espaciales o sombreros de fieltro. Infunde a nuestro familiar mundo moderno un espíritu de aventuras exóticas como las de tiempos pasados. Nos produce placer y, al mismo tiempo, angustia: la ansiedad, la vulnerabilidad y el escalofrío forman parte de la emoción del thriller.
Cambridge University
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16 February, 2012
by rgonzalezr
A comienzos de la década de 1940, el compositor Hanns Eisler y el filósofo Theodor W. Adorno llevaron a cabo durante su exilio en Nueva York una investigación sin precedentes sobre las características de la música de cine. El objetivo principal del Film Music Project, era aplicar música moderna a la gran pantalla para ampliar el potencial artístico del medio cinematográfico. «El material musical avanzado pierde su cualidad prohibitiva cuando se aplica al cine». En un periodo dominado por las producciones convencionales de Hollywood, Eisler y Adorno creyeron que la composición dodecafónica podía ayudar al cine a obtener el verdadero estatuto artístico que se merecía. El Film Music Project fue además un ejemplo perfecto de unión entre las dos tendencias principales de la estética marxista alemana de la primera mitad del siglo XX: la filosofía del arte de la Escuela de Fráncfort y la práctica artística de sesgo revolucionario. En este libro, realizado a partir de documentación original sobre el proyecto encontrada en varios archivos de Los Ángeles, Nueva York y Berlín, Breixo Viejo ha reconstruido con detalle la historia del Film Music Project y ha analizado cada uno de sus resultados, desde la composición del film experimental Lluvia de Joris Ivens, hasta la partitura alternativa que Eisler escribió para «Las uvas de la ira» de John Ford.
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14 February, 2012
by rgonzalezr
From the motel in Psycho and the bachelor pad in Rear Window to the blonde elegance of Tippi Hedren and Grace Kelly, this is the first book about Hitchcock to explore the great director’s style, art direction, and use of fashion. Hitchcock’s images reveal an aesthetic as vivid as his suspenseful subject matter. Jean-Pierre Dufreigne explores the world of Hitchcock, examining the director’s unique atmospheric sensibilities. Featuring many of the actors, set and costume designers, cameramen, composers, and title creators from Hitchcock’s inner circle, this stylistic study ends with a catalogue raisonné of Sir Alfred’s entire oeuvre.
- BY JEAN-PIERRE DUFREIGNE
- HARDCOVER
- 196 PAGES, 100 IMAGES
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7 February, 2012
by rgonzalezr
Para todos los interesados en el cine, y en especial en el norteamericano, el presente es un texto imprescindible. Obra de consulta fundamental y excelente herramienta de trabajo, es además un libro de lectura tan amena como apasionante. La obra contiene un ‘Diccionario general de directores‘ del periodo sonoro junto a un ‘Diccionario de guionistas‘ del mismo periodo, incluyendo en ambos casos un comentario crítico de lo más importante de sus obras y una completa filmografía de cada uno de los autores. Pero asimismo la obra traza una visión global de otros muchos aspectos esenciales, como un análisis de la situación del cine norteamericano en 1939, un largo estudio sobre la evolución de Hollywood en el periodo 1940-1993 en el que se incluyen las concesiones anuales de los Oscars y un análisis de la política artística e industrial de los grandes estudios, un ensayo sobre la evolución de la censura y un útil informe sobre la situación del cine norteamericano. El texto se completa con una amplia sección de bibliografía y un índice de doble entrada de las películas citadas y analizadas, proporcionándose sus títulos en su versión original y de doblaje.
- EDITORIAL AKAL
- ISBN 978-84-460-2577-1
- N.° PÁGINAS 1410
- AÑO EDICIÓN 2006
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